Galería EME 04 2 al 18 de septiembre de 2010
Exposición Colectiva RECUERO´S
FRANCISCO RECUERO (Madrid, 1950)
Estudio de Dibujo en Academia Arjona. Dibujo, pintura, litografía, collage en Círculo de BBAA. Pintura en Taller del Prado. Pintura, dibujo, filosofía e Historia de la Pintura en el Taller de Jorge Ludueña. Dibujo en el Estudio Albín. Técnica de pintura mural en Escuela de Arte Ilustra. Iconografía clásica en U.C.M. Grabado y Estampación en Fundación Casa de la Moneda. Pintura al fresco A.E.D.P.E.
MIGUEL RECUERO (Pueblanueva. Toledo, 1954)
Estudia con D. Eduardo Peña y D. Manuel Arjona en Madrid, asiste a los cursos superiores de Paisaje con D. José Sánchez Carralero en Albarracín, con el mismo realiza dos cursos de Retrato .Recibe cursillos de Grabado, Arte Contemporáneo y Acuarela entre otros
Enseña Dibujo y Pintura desde 1.989 en su propio estudio primero y después en la Asociación de Pintores y Escultores de Madrid. En la actualidad imparto clases en el centro cívico Los Castillos de Alcorcón a tres colectivos de Pintores.
Desde 1985 que cambio mi actividad musical por la Pintura expongo regularmente
RAFAEL RECUERO (Madrid, 1959)
Dibujo, Pintura y formación plástica en Estudio Arjona (Madrid).
Grabado y Litografía en el Taller de la Casa de Cultura de S. Lorenzo de el Escorial (Madrid).
Diseño Gráfico en la Universidad Carlos III (Colmenarejo – Madrid)
Profesor de Dibujo y Pintura desde 1996 en Collado Villalba, (Madrid).
Beatriz Recuero (Madrid, 1978)
Realiza estudios de Historia del Arte en la Universidad Autónoma de Madrid, licenciándose en el año 2000. Emprende su formación como Ceramista en el año 2002, siendo Técnico Superior en Cerámica Artística. En Granada (Centro Albaycín) recibe lecciones en materia de alfarería y restauración cerámica.
Como formación complementaría acude al Círculo de Bellas Artes de Madrid para perfeccionar la modalidad de dibujo anatómico del natural.
Esta exposición, no es solo la reunión de cuatro individualidades, sino el intento de gestación del proyecto de una unidad plástica que pretende agrandar los límites donde se desenvuelve cada uno de sus miembros, sin caer en el concepto tradicional de grupo, intentando generar conceptos nuevos, respetando al mismo tiempo el espacio propio de cada uno de nosotros.
Aunque cada uno parte de presupuestos estéticos diferentes, existen elementos coincidentes de lugar, y de valores estéticos, no solo desde el punto de vista de color y forma, sino tambiéndel sonido y del movimiento, entablando un lenguaje común en cualquiera de los ámbitos propios dirigidos a la plasticidad.
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Fernando Rodríguez Durán (Madrid , 1975)
Asiste a clases de pintura y dibujo en ARAUCO a cargo de Cristian Avilés (2003-2008). Participa en las exposiciones colectivas de la Fundación en 2006 (Chinchón) y 2008 (Madrid). Inicia estudios de Bellas Artes en la UCM en 2008
Esta es su primera Exposición Individual
“DIVAGACIONES NEOGÓTICAS EN LOS ALBORES DEL SIGLO XXI”
En su primera exposición individual el artista Fernando Rodríguez ha elaborado una sincera experimentación estética donde se pueden observar dos grandes contenidos temáticos. El primer contenido temático corresponde a obras ambientadas en el Carnaval de Venecia. El segundo contenido temático corresponde a obras realizadas sobre imágenes de flores y plantas en donde la forma es distorsionada conscientemente a través de fórmulas matemáticas. Estos diferentes contenidos tienen un punto estético común en el interés manifiesto por parte del pintor por desarrollar una obra con características descriptivas, detallistas y ornamentales.
En las obras sobre el Carnaval de Venecia el pintor ha desarrollado una imagen estética “neogótica” en la cual se aprecian numerosos aspectos coincidentes y reminiscentes con los pintores flamencos del S.XV, como Jan Van Eyck o Rogier Van Der Weyden, en el interés pictórico por el detalle y la ornamentación “preciosista” de los trajes de los brocados y la arquitectura veneciana; y el tratamiento parcelado de la forma y del color característicos de la técnica de pintura de La Grisalla flamenca o italiana.
Desde el punto de vista compositivo y visual me parecen muy interesantes las obras realizadas en base a flores y plantas en donde el pintor conscientemente distorsiona la forma de los objetos a través de fórmulas matemáticas producto de la observación de las leyes sobre el comportamiento de la naturaleza. Destaco estas obras porque son un excelente pretexto para que el artista pueda divagar y elucubrar en aspectos compositivos abstractos, creando ritmos visuales dinámicos y lúdicos. Estos ritmos se estructuran en espirales o formas curvas en un juego estético de equilibrios de masas, forma y color.
Cristian Avilés (Artista Visual)
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Ana Dolz presenta la exposición Pinceladas del Norte y del Sur en la Galería de Arte EME 04 y refleja en ella los recuerdos [memoria del pasado] que han despertado en su vida los días de la niñez. Con este trabajo, la fotógrafa se marca un punto de inflexión para un arranque artístico en su búsqueda interior por reafirmarse en su carrera profesional.
Más pictórica que fotógrafa [artista], Ana Dolz, consigue en Norte&Sur captar el movimiento como nota central de la exposición. El paisaje tiene vida y se mueve a lo largo de los distintos instantes de la captura. Se puede percibir el olor a infancia en la luminosidad de los colores como un ir y volver en el tiempo, como el vaivén de la marea en los días de verano y del contraste y las similitudes entre el norte y el sur de la piel de toro.
La fotógrafa dibuja con la luz, nos acerca a las olas movidas con pinceladas gruesas que muchas veces se convierten en elementos difusos blancos sobre fondo gris azulado. Sorprende con esta recopilación de instantáneas en las que el trance y la abstracción por el movimiento pueden hacer perder hasta el sentido de las cosas.
Nunca he oído hablar de “feificación”, se atrevió a decir Alicia.
El Grifo levantó sus dos patas en ademán de sorpresa:” ¿Cómo?
¡Nunca has aprendido a feificar!”, exclamó. Al menos sabrás
lo que quiere decir “embellecer”!
“Sí”, dijo Alicia dudándolo un poco; “quiere decir […] hacer algo
[…] un poco […] más bello.”
Lewis Carrol
Ana Dolz con su mirada fija en la cámara, embellece, sublima y transforma lo que ella ve en su interior. Es capaz de conseguir una abstración, real y elocuente; una obra de arte bella. Que no es poco.
Esther Sánchez del Moral
Profesora Titular de Artes Visuales
C. U. Villanueva. UCM
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27 de mayo a 10 de junio de 2010
ANA VALDEZ
Exposición PERCEPCIONES
ANA VALDEZ. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Nacional de Rosario, Argentina, se traslada a España donde trabaja en RTVE (Radiotelevisión Española) desde 1984 hasta el año 2000, fecha en la que retoma su carrera artística de la mano de la pintora Vicky Herreros.
Realizó exposiciones individuales en la ciudad de Rosario (Argentina) y varias colectivas en Madrid, donde reside actualmente.
Se dice de su obra….
Como todo género clásico, el bodegón es una estructura abstracta dotada sólo aparentemente de contenido. La reunión de objetos animados o inertes sobre una pequeña superficie es, ante todo, un procedimiento por medio del cual se acotan las posibilidades de la pintura con la finalidad de realizar una imagen. Por otro lado, si el bodegón favorece la pintura de intimidades, es porque hay algo en su espacialidad (no en su temática) que se conecta con las sensaciones de intimidad.
Por eso, cuando uno ve los delicadísimos cuadros de Ana Valdez, casi no reconoce sus vasos y botellas: lo que percibe es la soledad, melancolía o desasosiego que penetran los cuerpos de esos objetos –cuerpos opacos, velados, sintéticos, de colores neutralizados o desaturados- y siente cómo a través de los cuadros se pasa a paisajes y situaciones que existen no en virtud de la forma figurativa del bodegón, sino de la fuerza afectiva que excede esa forma. Es decir, que el bodegón no aparece realmente si, a la vez, la pintura no generó el paisaje o situación visualmente ausente, el paisaje o situación que no está sino en un lugar no pictórico.
En las pinturas de Ana, el leve desvanecimiento de la imagen se corresponde con el lento desvanecimiento de la fuerza de la sensación (melancolía, etc.), y ese es su modo particular de evocar el paisaje ausente. Y es justo ahí, entonces, donde su pintura aparece.
Lucio Fusco
Escritor y crítico de arte, colabora en la revista Otra Parte, de Buenos Aires.
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Rocío Serrano
Exposición FORMA ESPACIAL
Rocío Serrano (Sevilla, 1951) . Estudió Derecho en su ciudad natal. Se formó artísticamente en Madrid (Academia Peña y Estudio José Barranco). Pintora infatigable, pintar es lo que realmente le importa y efectivamente es una buena pintora. Esta es su segunda individual en EME 04.
Forma espacial
Espacios que atraen por su fuerza, su ritmo y su color.
Ritmos empapados de contrastes, color y originalidad que consiguen estimular a quien lo contempla.
Contrastes cuya estructura son un comienzo sólido de su forma, creando un mundo de flores alegres, llenas de vitalidad, que se funden en el espacio, formando una unidad.
Hortensia Núñez Ladevèze (Miembro de la Real Academias de Bellas Artes Sant Jordi)
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Juana García (Barrax, Albacete, 1950)
Juana cursó estudios de Cerámica y Pintura en Madrid. Se especializó en Acuarela, como alumna de Julio Quesada (años 1971-75). En 5 ocasiones ha ganado el Primer Premio en Concursos de Acuarela, en Madrid. Desde 1996 ha expuesto su obra en Madrid, Guadalajara, Segovia y Albacete
Se dice de su obra...
La obra de Juana produce lo que pocas obras pictóricas consiguen: la emoción estética que exige ir más allá de una técnica depurada para transmitir el sentimiento cuando se adentra en la realidad a la búsqueda a la belleza. Su mirada aúna la armonía cromática con la sutileza de las transparencias y la fuerza de sus pinceladas sugieren sus raíces manchegas y su amor por la tierra y las gentes.
El tratamiento de la luz y el color es el lenguaje con el que da vida a bodegones, paisajes, marinas, perfiles urbanos o nostálgicos caminos por los que los hombres y mujeres transitan sus recuerdos. El pueblo al fondo, un horizonte al atardecer, el despertar de la primavera, un paseo por la ciudad, el aliento al borde del mar, las tardes serenas, el bullicio infantil, las promesas de amor al borde de un estanque o los pequeños detalles de lo cotidiano, son temas de sus acuarelas.
Las acuarelas de Juana logran sacarnos del activismo de la época actual para adentrarnos en una contemplación que enriquece nuestro mundo interno.
En sus últimas obras se plasma el poso que deja un largo recorrido pictórico de más de treinta años. Son obras de madurez que dan un giro más atrevido al color y auguran toques abstractos en su pintura de clara influencia impresionista.
Piedad Ruiz, Psicoanalista - Escritora
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Lo Cotidiano
MARTA MORO MARQUINA (Madrid 1968)
Licenciada en 1991 en CC Económicas y Empresariales por el C.U.N.E.F. Auditor miembro del ROAC desde 1995. Tras diez años ejerciendo como economista retoma estudios de pintura en Estudio Solana de Madrid con dedicación plena.
Ha realizado distintos cursos y monográficos entre los que destacarían:
Retrato y Color, impartidos por Inés Losada; Paisaje urbano, Paisaje a través de las vanguardias e Introducción a la abstracción, impartidos por Vicky Herreros.
Ha participado en varias Exposiciones Colectivas y ésta de EME 04 es su primera Individual
Dicen de su obra...
Bajo la apariencia de lo cotidiano, Marta Moro propone lo cotidiano de la apariencia
Espacios rotos sujetos tan sólo por ritmos plásticos que sujetan los elementos en una vista sin suelo ni horizonte
Ejes verticales que, cayéndose, no empujan
Juegos de color-no color que convierten en lejano lo rutinario
Y luego está esa nueva forma de mirar
Desde abajo, convirtiendo edificios en conos,
Desde dentro, enseñándonos la geometría del fragmento
O a través de una rendija imaginaria, que convierte en misterioso secreto aquello que lo merece
Y nos hace amar la verdad de las mentiras
Inés Losada, Pintora
La peculiar percepción del espacio en la obra de Marta Moro nos lleva a apreciar la belleza estructural que se encierra en lo cotidiano, descubriendo al espectador con su particular mirada, la sorprendente riqueza visual escondida detrás de una escena aparentemente mundana.
Contundente en su factura, Marta construye atmósferas, edifica un entorno amable y familiar teñido de sutilezas en las que la luz envuelve el conjunto y transforma el color desvelando con gran sensibilidad el contenido estético del mundo que nos rodea.
Carmen Benavides, Pintora.
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Realidad escondida y Animada. del 5 al 26 de marzo de 2010
Álvaro Pérez Herrasti se forma artísticamente en Madrid, comienza con dibujo en la Academia Galileo y posteriormente en la Escuela de Arte y Autores Contemporáneos. Se inicia en el estudio de la pintura al óleo en ARAUCO, donde continúa desde hace 7 años. Ha participado en varias exposiciones colectivas. Esta es su primera exposición individual
La muestra nos ofrece su trayectoria; podremos ver algunas obras más clásicas, en la línea Arauco (Paisaje, Urbano y Bodegón). Una segunda etapa más vitalista, en la que suelta el pincel para pintar el mundo animal. Y una tercera fase, quizás la más interesante, por la libertad de interpretación y originalidad compositiva, que parece reflejar su mundo imaginativo.
EME 04
Resulta un alivio comprobar que, a traves de autores como Alvaro todavia podemos seguir confiando en la supervivencia del arte.
Dice Hegel, que lo que distingue a un buen artista y a uno menos bueno está en el que el primero nos lleva directamente a un mundo significativo, y de ésta forma apreciamos el toque característico del artista mismo, lo contrario que ocurriría con un artista menos bueno. En este caso, la pintura de Alvaro nos lleva siempre primero a mundos significativos, variados, de granriqueza: ahondar en la verdad,la inquietud, la trascendencia, el dinamismo de la vida.
Su arte no se impone al espectador sino que abre su personalidad y le invita a explorar sus posibilidades de interpretación. Su pintura es callada, silenciosa, ensimismada. Los escenarios y sus personajes están como absortos, inmóviles, como flotando en una aparente extraña irrealidad que al mismo tiempo ahonda en la verdad.
Conceptos que acompañan unas pinturas llenas de verdad que han sido el resultado de una investigación profunda de su autor,de ambición para llegar más lejos en cada cuadro .Incansable buscador de fórmulas. Hay en éstos cuadros: belleza, emoción, frustración, verdad, vida, autenticidad simbólica y aproximación e investigación sobre la percepción.
Alvaro concibe el mundo como substrato de sus vivencias.Pinta emociones humanas con dominio del dibujo, color, forma ritmo y composición. Tiende a la provocación y es inconformista y desafiante. Dramatismo poético y dulzura apasionada y de este escenario interno ha ido saliento una pintura que visualiza el sentido y el sentimiento profundo.
Juan Naranjo
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Del 18 de febrero al 4 de marzo de 2010
ALICIA GARCÍA NAVARRO
SECUENCIAS
Alicia García Navarro, doctora en Psicología, comenzó sus estudios de pintura en 1994 con Betsy Westendorp.
Realizó estudios de dibujo y pintura con Rosendo Loriente en la Academia Artaquio.
Desde hace seis años asiste al taller de Vicky Herreros.
Ha participado en exposiciones colectivas en Madrid y en Guatemala.
Ésta es su primera exposición individual en Madrid.
Hay un momento en que Alicia descubre que de la forma puede extraerse una vibración sensorial, y de la sensorialidad de la forma un modo de sentir el mundo. En sus cuadros se ve la marca invisible de ese pasaje.
Distintas técnicas aplica con tal de explorar las formas y los estados de los cuerpos de unas simples botellas y jarrones. Y es el cuerpo lo que explora porque en los objetos que pinta fluye una especie de poder orgánico.
Por más evanescentes que los piense, los de Alicia son volúmenes con interioridad. La interioridad es la prueba de que hay un cuerpo constituido, y un cuerpo se constituye incorporando el mundo, ampliándose porque amplía sus enlaces con lo existente como totalidad.
En una pintura, la interioridad es el modo en que el color ya no pertenece a la figura o el fondo, sino que atraviesa todo el plano con felicidad suprema, haciendo del fondo figura y de la figura fondo (por más nítidos que los veamos: la interioridad no es una cuestión de contornos, sino de flujo creador).
El jarrón solitario sobre el alféizar que Alicia pinta sintiendo el juego difícil de las transparencias imaginarias, es la mayor evidencia de que en sus pinturas el mundo ya está presente como arte.
Juan Valentini
Crítico de arte
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FRANCISCO RECUERO (Pintura y Collage)
Exposición Silencios del color
Francisco Recuero (Madrid, 1950) es un artista polifacético, compagina las Artes Plásticas con la Música (piano –Real Conservatorio de Música de Madrid- y flauta travesera –E.M.A.C.-)
Con amplia Formación Artística: Dibujo y Pintura en el Estudio Arjona, en el Taller del Prado, en el Taller Jorge Ludueña, en el Estudio Albín y en el Círculo de Bellas Artes. Ha cursado Técnicas de Pintura Mural en la Escuela de Arte Ilustra; Iconografía clásica en U.C.M., Grabado y Estampación en Fundación Casa de la Moneda y Pintura al fresco en A.E.D.P.E.
Premiado y seleccionado en 36 ocasiones desde 1980.
Podemos ver su obra en Museos, Edificios Institucionales, Fundaciones y Empresas privadas, en distintas ciudades de España.
J. A. Pérez Mateos (Escritor y Periodista) presenta así la obra de Francisco Recuero en el catálogo para la Exposición Silencios del Color, en EME 04:
Como el rayo que no cesa de Miguel Hernández, como quien pretende plasmar el mundo que le rodea, que capta con su mirada grande de pintor grande, enamorado de los colores, que se embelesa con un amanecer o un crepúsculo o con una simple nube, grande y humilde, Francisco Recuero zahorí mayor de las calles y de las plazas, de la humildad de un papel que se lleva el viento y busca el descanso en un recodo, este Francisco Recuero ama la humildad de los objetos, de esos seres imperceptibles, vagabundos de nuestra incuria o de quien tira algo en un acto reflejo…. Pero el pintor, en este acto, eleva la sencillez a la grandeza, gracias a sus manos, a su estro, a ese amor por los colores…
Esta es su creación; este es él: un aire sereno que desprende de la montaña o no sé de donde, pero al puerto plácido de su estudio llegan los colores como barquitas que traen sus trebejos, y los vemos, los miramos con nuestros ojos envueltos en colores…. Los que os acerquéis a esa irradiación de luz, luz de domingo, luz de todos los días, luz de todas las estaciones, quizás sentiréis la misma emoción que yo he sentido, y los colores os hablarán, nos hablarán por sus manos…
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Homenaje a Hortensia Núñez Ladevèze
Exposición de su obra -Escultura y Pintura-
…Con motivo de una larga trayectoria en su serio compromiso con el ARTE, como escultora y pintora; como crítica que aporta valiosas luces para entender nuestro mundo a través del lenguaje plástico, y como guía certera para desatar los nudos de la incertidumbre e inquietud artísticas.
…Con motivo de su reciente nombramiento como Miembro de la Real Academia de Bellas Artes de Barcelona.
…Con motivo de la reciente presentación del libro Hortensia Núñez Ladevèze, forma y color (EUNSA). Un libro “para manejar y disfrutar”. En él se dice:
“…Hay en estos volúmenes ternura, pero no blandura, tacto, pero no debilidad. Es cosa de ver. Y de sentir” (José Hierro. Poeta)
“…no se trata de estar a la moda, sino de cumplir con tu propia exigencia, con el modo personal de ver las cosas.” (HNL)
“Cada escultura de Hortensia abre un mundo en su entorno, y es ella misma todo un mundo de significaciones” (Rafael Alvira. Catedrático de Filosofía)
“El valor expresivo no está tanto en sus formas bellísimas, rotundas y convexas, cuanto en sus cálidas concavidades, acogedoras, hospitalarias, llenas de humanidad y ternura” ( Luis Borobio. Catedrático de Estética y Composición)
“Tengo claro que la fuerza –oculta pero esplendorosa- de la armonía es algo esencial para la vida, para el hacer y el ser, para el amor y la belleza. Con libertad y armonía se compone en cualquier lenguaje del arte.” (HNL)
“…desde el principio, en mi hacer escultórico, aprendí a ver en el túnel de la oscuridad, y era en esos momentos cuando aparecían destellos de vida…” (HNL)
“Escultora o pintora, en todo caso nos hallamos ante una voluntad creadora de formas que buscan ir más allá de sí mismas. Sus esculturas se sitúan en el espacio con energía inusitada, en tanto la pintura está más próxima a la canción del alma y en ella remansan encuentros e ilusiones calladas” (Rosa Martínez de la Hidalga. Presidenta de la Asociación Española de Críticos de Arte)
Programa de Actos
Martes 12, 19.30: Firma de Libros
20.00: Copa de Inauguración
Martes 19, 19.30: Entrevista en público a Hortensia NL por Patricia Pereira, periodista. Firma de Libros
Martes 26, 20.00: Concierto del cuarteto de cuerda amateur CERVELLÓ
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Cursó Pintura en la Escuela de Arte Antonio Arroio, de Lisboa. Discípulo de Abel Manta, Manuel Cargaleiro, Louro de Almeida, Jardim Portela, Lino Antonio y Manuel Lima, entre otros.
Ha trabajado en Publicidad en varias agencias multinacionales. En la actualidad se dedica profesionalmente a la Pintura. Reside en Madrid desde 1967
El artista portugués Jorge Xavier-Morato,…, ha dado una vuelta de tuerca a su lenguaje pictórico y ha entrado en una etapa de figuración más suelta y desdibujada. Trazo más espontáneo. Más y mejor Pintura.
Su condición de urbanita, le lleva a flanear y contemplar con ojos de artista el paisaje urbano de las ciudades que rigen su vida: Madrid, Lisboa, Ayamonte… o de las que visita como viajero más que como turista: Toledo, Sevilla, Cáceres, Cuenca, Oporto, Obidos, Cascaes, Sintra, Venecia… El pintor mira y se recrea en las vedutte o los monumentos, toma apuntes y fotografías para trabajar después en su estudio con la calma y atención que requiere la pintura.
El tema, para estar bien resuelto, requiere la inteligencia del artista: aplicación del color, composición adecuada, exploración de ritmos… Xavier-Morato tiene una pintura luminosa, de cromatismo animado incluso a la hora de representar bellos nocturnos como los de Lisboa u Oporto. Es una pintura de tonalidades alegres, a veces encendidas en rojos y otras reposadas en los fríos azules de las marinas.
Lo más singular de esta última etapa del artista es la gran soltura del trazo para interpretar, aparentemente en un gesto de apunte, el trasunto pictórico del cuadro. Una caligrafía mínima de pigmento, aplicado con el pincel, sirve para expresar una sugerencia del tema, más elocuente que la fría línea de las formas rotundas. El paisajista reproduce la esencia del original contemplado. En suma, la nueva manera de hacer de Jorge Xavier-Morato refleja la rápida conexión entre la mirada del autor y el paisaje urbano. La maestría del pintor
Julia Sáez-Angulo (Asoc. Internacional de Críticos de Arte)
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Exposición de Pintura. 18 de noviembre a 2 de diciembre de 2009
Luis Lascurain. Bergara (Gipuzkoa) 1951
Su interés por la Pintura arranca en el año 1964, desde entonces acude a estudios locales de Pintura y Dibujo. Más adelante, en su trabajo profesional (Arquitecto Técnico), a través de la geometría descriptiva, desarrolla una aguda visión espacial. Expone su obra desde 1983 ininterrumpidamente en Guipuzkoa, Bizcaia, Vitoria, Logroño, Navarra, Huesca. Con esta muestra en EME 04 se estrena en Madrid y para 2010 tiene previsto D&G ART DESING GALLERY MIAMI
El realismo personal de Luis Lascurain surge desde la propia experiencia, del ensayo sobre la superficie impoluta. Su recorrido, pausado desde los primeros instantes, se ha visto dirigido en sus momentos iniciales por una de las mejores paletas que ha tenido la pintura vasca, como fue la de Simón Arrieta. Formado estrictamente desde la arquitectura heredera del racionalismo vasco y rodeado de un ambiente plástico que ha sido el que se ha desarrollado en la localidad bergaresa, todo ello, ha derivado en un trabajo especialmente personal e intimo. Lascurain es un hombre que ha surgido de las vanguardias que dieron cuerpo al arte vasco ya mediado el siglo XX, esencia, que las nuevas generaciones han pasado de largo y se nota en sus trabajos; hoy muchos han perdido la particularidad precisa del dibujo, algo elemental diría yo…
…paso a paso, el pintor ha llegado, ya hace tiempo, a los desenlaces que hoy podemos apreciar desde la cómoda óptica del espectador para sacar nuestras propias conclusiones. Podemos hablar de la modernidad sobre lo clásico, de lo cotidiano como elemento de composición..
JUAN ANTONIO GARCÍA MARCOS
DE LA REAL SOCIEDAD VASCONGADA DE AMIGOS DEL PAIS
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“HACIA 2011 PARÍS”
…Pourquoi?, qui sait?... Es parte del factor sorpresa, que tanto motiva a Almudena; ella no pinta para agradar, le gusta sorprender y provocar el interrogante al espectador. Es la actitud que tiene consigo misma, su reto ante el lienzo es pintar algo que le cueste esfuerzo; esto explica su recorrido pictórico: empezó haciendo flores con ceras, después paisaje con acuarela; se introduce en el óleo con Ana Mª Huertas; más adelante se incorpora al Taller del Prado con Antonio Molinero y desde 2007 acude a la Fundación ARAUCO, donde coincide con Blanca. En esta exposición podemos apreciar la simpática armonía que logra entre el aprendizaje de la técnica y su ir por libre.
EME 04
La pintura realista de Blanca de Ulibarri , comprende en su mayor parte paisaje, figura, interiores y bodegones. Con una larga trayectoria artística, sus cuadros han experimentado una cierta evolución desde sus comienzos , sin embargo, en su últimos trabajos, su pintura se vuelve si cabe más intimista y plácida, de forma que los objetos mas cotidianos y en apariencia más sencillos reflejan mucho más que la realidad. Su contemplación, sugiere situaciones que hacen pensar al espectador;
Porque lejos de mostrar en general "naturalezas muertas" están llenos de vida, como si la artista hubiera entrado fugazmente al lugar donde se encontraban tales objetos y los hubiera llevado al lienzo como si se tratase de un episodio momentáneo de la vida de la persona.
Sencillos a primera vista, su dominio del dibujo, del color y su formación humanística contribuyen a que sus trabajos -como fotogramas sueltos de una película- y realizados con exquisita limpieza, demuestren que son obra de una maestra en tan difícil arte.
Blanca de Ulibarri, pintora experimentada, ha participado en diversos certámenes y numerosas exposiciones en su ya prolongada carrera artística.
Maite García Nieto, escritora
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En su extenso currículum, destacan las exposiciones que han tenido lugar, entre 2006 y 2009, en Madrid, Barcelona, Galicia, París, Nueva York, Miami. Su obra ha sido galardonada con premios internacionales en 1987, 1996, 1998, 2000, 2005, 2006 y 2009
Han dicho…
Cocero utiliza enérgicos recursos de Composición para integrar colores opuestos, formas y figuras orgánicas de gran impacto. Diario El Mundo (Febrero de 1999)
Obvio hablar de su dominio de la Técnica. Ni olvida ni respeta las fórmulas. Su arte renace cada día, se renueva cada noche. Evita la repetición. Crea, inventa, delira. Estamos pues ante una activadora incesante de un arte que no morirá. No cabe en ninguna nomenclatura, porque sus obras las incluye todas. Ramón Faraldo (Vigo)
“In memoriam” es el título de la exposición que inauguramos en EME 04 el próximo día 16 de octubre. Es un hondo y sereno recuerdo; un cariñoso agradecimiento a su gente querida ausente, a través de su recorrido artístico, que se resume en esta muestra de distintos trabajos (Pintura y Esmaltes), antiguos y nuevos, técnicas variadas en diferentes soportes: tabla, lienzo, aluminio.
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Ana Martínez
Se inicia como autodidacta. Ha realizado varios cursos en distintos Estudios de Pintura y Dibujo, con Jorge Pedraza, Nuria Ruiz Vernacci, AIMA… Sus comienzos fueron una larga etapa Naif, que desembocó en el personal estilo que nos muestra en esta exposición. Pertenece a la Asociación de Pintores y Escultores de Madrid y de León. Ana ha expuesto, individuales y colectivas, ininterrumpidamente, desde 1999 (León, Huesca, Toledo, Málaga, Madrid, Andorra Nueva York…)
Cuando una persona tiene algo que decir, encuentra la manera. Este es el caso de Ana Martínez.
Ella nos comunica sus sentimientos y sueños, nos cuenta quién es y su historia a través de la forma y del color. De su creatividad. Cosas ya contadas por otros, pero contadas de otra manera. Contadas por ella.
Hace suyo lo que bebe, ávida, pues busca enriquecerse. Lee y ve, y lee, y ve…, pintura, escultura, cualquier manifestación artística. Si de Miró, Hundertwasser o Vieira da Silva tiene poso, que le dejaron, fue lo elegido por ella para hacerlo propio.
Su inquietud no tiene límites y no tiene miedo a arriesgar, sabe que cuando una persona tiene algo que decir, encuentra la manera.
Conozco a Ana desde hace años y se lo que significa el Arte para ella.
Nuria Ruiz-Vernacci
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SERIES Y FRAGMENTOS
Por Yolanda Ruano.
Más allá de cualquier explicación de conceptos, está lo que es innato y esencial: El diálogo del yo y el mundo, en lo humano y divino, en lo cotidiano y el devenir.
Como el agua busca su cauce, en las correnteras, o en los caminos. Siempre, aunque existan obstáculos que bloqueen su recorrido, finalmente encuentra de nuevo el surco natural para seguirlo.
De la misma manera, que el arroyo seco renace tras las lluvias; si coyunturalmente hice un paréntesis en mi trayectoria creativa, estos años de sed artística han pasado, y mi ánimo de continuar es absolutamente una necesidad.
En este tema actual, el otoño es mi universo fragmentado y seriado, como el susurro del aire en las ramas o el murmullo lejano de las olas del mar, repetido obsesivamente. Los deseos frustrados tienen que resarcirse tarde o temprano para encontrar su liberación. Nada como la Naturaleza para sentirnos mejor observándola al detalle, formando parte de ella. Nada como poder expresarnos, en un canto desesperado de supervivencia, o de vivencia.
Definitivamente esta exposición soy yo, fragmentos rotos intentando mantener el equilibrio. Un melancólico otoño de luces cálidas.
CURRICULUM VITAE
Yolanda Ruano Ruano (Madrid en 1961)
Realiza dos cursos monográficos de “Técnicas de Cerámica, durante los años 1980 – 1982, en la Escuela Oficial de Cerámica de Madrid. De 1983 a 1988 cursa estudios oficiales en esta misma Escuela. En Diseño y Joyería, realiza varios cursos entre 1990 y 1992. Desde 2006 forma parte de un dúo artístico “Artezua”, con exposiciones, individuales y en grupo, en Madrid y otras Comunidades Autónomas, en Centros Culturales, Ayuntamientos y Fundaciones,
Ahora en solitario, en Galería EME04, nos muestra “Series y Fragmentos”, su último trabajo durante este año 2009; que ha supuesto una nueva búsqueda en este método artístico, al que incorpora distintos iconos en cada exposición.
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Mónica Ozámiz
Mónica es licenciada en BBAA (1975/80) por la Facultad de San Fernando, Madrid. Con experiencia docente desde 1979.
Mónica vive los clásicos (Ghirlandaio, Leonardo…), conoce los secretos del color y la línea; como buena profesional, los interpreta desde su rica creatividad. Su pintura tiene la frescura de la libertad y las amarras del saber en graciosa armonía. Retrata a la gente de hoy desde su amor al Arte y a los artistas que pintaron ayer y son admirados siempre. Sus composiciones son certeras, firmes y delicadas a la vez; tienen la cualidad de lograr que cada retrato sea una representación interesante y sugerente, con guión abierto a la imaginación de quien contempla.
COMENTARIO DE HORTENSIA NÚÑEZ LADEVEZE
Mónica se entrega a la pintura, con un estudio a fondo, tanto en la composición como en el claroscuro; funde estos conocimientos de lo temporal y lo clásico. En sus cuadros logra algo misterioso en sus manchas y luces con pincelada certera y rica en novedad.
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ENRIQUE CASTAÑER (Valencia en 1962)
Transmitimos la presentación del Artista, por la Comisaria de la exposición en el Museo de BBAA de Murcia (2008):
Como en el emblema de Aldo Manuzio, “Festina Lente”, la biografía artística de Enrique Castañer representa agilidad y rápida inteligencia, de un lado, sin olvidar otros aspectos tales como la energía y firmeza, por otro. Ancla y delfín, arraigo a lo perenne y versatilidad, tradición y renovatio.
Su formación académica en la facultad de Bellas Artes de Valencia, así como una amplia experiencia en el mundo de la publicidad y el diseño gráfico, marcarán la impronta de un artista que de manera constante y diacrónica va configurando una estructura plástica muy personal, alejada de los cauces consabidos de la dinámica del artista contemporáneo. Nunca abandonará las raíces ni su vínculo con el arte o la plástica figurativa, aunque de manera sorprendente irá despojándose de prejuicios anecdóticos, narrativos, de argumentos inspirados en el naturalismo plástico y en el realismo formal; un abandono que en principio pudiera parecer radical y que se sustenta desde dentro, desde su intimidad estética, desbordándose a través de un poder persuasivo nada común.
Mª Ángeles Gutierrez García. Museo de Bellas Artes de Murcia
Enrique Castañer en Galería EME 04
“Ταπεινός” (Tapeinós), o envuelto a ras del suelo en el recuerdo de cada uno de vuestros gestos, de vuestra voz transparente y siena.
Como la Tierra que me sostiene...
Desde aquí abajo, veo todo lo que hay arriba y me extiendo en incontables direcciones, naturalmente confiado y tranquilo...
Y mi obra habla de confianza, traduce un solo clima... y eso lo aprendí de ti. Catorce óleos que se dan la mano, que se hacen pequeños para ser grandes, que se ocultan para luego aparecer multiplicados.
Un honor exponer en Madrid.
“La finalidad del arte es dar cuerpo a la esencia secreta de las cosas.
No el de copiar su apariencia.” (Aristóteles)
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Exposición de Pintura: MOBY DICK
Alberto Guerrero Gil (Barcelona, 1975)
Exposiciones individuales
2006 Madrid. Palacio de Congresos de Madrid. 2004 Tolosa (Guipúzcoa). Palacio de Aramburu. 2002 Madrid. Exposición Centro Cultural Huerta de la Salud
Actualmente reside en Madrid. Durante los últimos diez años ha viajado por numerosos países, principalmente de Oriente Medio y ha pasado largas temporadas en Egipto. Allí ha tomado muchos apuntes y ha realizado varios cuadernos de viajes, trabajando principalmente el paisaje urbano y que posteriormente han quedado plasmados en lienzos que han sido mostrados en exposiciones anteriores. Su pintura desde sus comienzos se guió por intereses formales y la figuración fue cediendo paso poco a poco a la abstracción, y ésta se materializó principalmente en el desarrollo de fondos de color a base de veladuras y el estudio de las texturas. Durante el último año su gran afición por la literatura ha ido introduciéndose en su mundo pictórico, y de este modo en sus cuadros van apareciendo textos y figuras que se funden con los fondos. Las obras que presenta en esta exposición, “Moby Dick”, son una muestra de esta etapa. Moby Dick “Yea, foolish mortals, Noah's flood is not yet subsided; two thirds of the fair world it yet covers”. Moby Dick, Herman Melville. Esta exposición muestra una serie de obras inspiradas a través de la lectura del famoso libro de Herman Melville. En ellos Alberto Guerrero ha plasmado de un modo muy personal el mundo misterioso del mar y de la lucha obsesiva del hombre contra la “Ballena Blanca”. Esta obra que se expone ha querido desarrollar los sentimientos sugeridos por Melville, haciendo hincapié en la dimensión misteriosa de la fantasmagórica presencia de Moby Dick. En estos lienzos predominan los colores fríos, que representan la tormenta y la lucha entre la vida y la muerte, en una obsesión persecutoria que finaliza con destrucción y soledad en la profundidad del mar.
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Etienne ECZET (Escultor) Toulouse – Francia (1978)
2002 Diplomado de ENSAD (Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs), Paris - Francia
Exposiciones y premios
2008 Villa Lemot, Clisson (44) – Francia
2005 - 07 Pensionista en la Casa de Velazquez, Madrid - España
2007 Instituto de Francia, Paris
Exposición estatutario en la Casa de Velazquez, Madrid
Premio Wildenstein del Instituto de Francia
2006 Instituto de Francia
Castillo de Cambiac (31) - Francia
Exposición estatutario en la Casa de Velazquez
2004 Premio Georges Coulon del Instituto de Francia
2003 Premio de escultura Ardoin de la Academia Nacional de las Bellas artes, Paris
Salón de Otoño, Paris
Salón Internacional de la de la región de Île-de-France de las Artes, Longpont (95) - Francia
Invitado de honor en el Salón Internacional de la región de Île-de-France de los Jóvenes Talentos, Nozay (95) - Francia
Expon una mesa en yeso al Salón del Mueble de París y al Salón del Mueble de Milano - Italia
2002 Premio de escultura Paulette et Marcelle Rigal de la Academia Nacional de las Bellas artes
Primer premio de escultura del Salón Internacional de la región de Île-de-France de los Jóvenes Talentos
Expon una mesa de tijera al Salón del Mueble de París
2001 Premio del Bronce ENSAD
El Artista habla de su trabajo :
El Dibujo me fascinaba. En la escuela de diseño he hecho algunos muebles y también algunas instalaciones. Pero por encima de todo me gustaba dibujar y repetir los mismos modelos y los mismos motivos en diversas ocasiones. Un día haciendo el retrato de mi hermano, me di cuenta que no le reconocía, que su rostro se había transformado a mis ojos en algo muy raro, desconocido, un paisaje distinto. A partir de aquel momento las cosas que me rodean se han vuelto tan excéntricas como la cara de mi hermano. Y el dibujo me permite captarlas un poco mejor.
La Escultura ha sido un medio para continuar el dibujo. En esta relación el material no es más que un factor técnico secundario. Lo que yo modelo es la luz. Para una cabeza, es a través de su arquitectura, de sus planos de luz, que puedo organizar una mirada. La cabeza entera mira, y no sólo el ojo. Trabajo mis esculturas como una arquitectura abstracta.
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Nuria Vallés (Barcelona, 1964)
Su formación artística comienza en 1991, en la Universidad de Helsinki (Dibujo), Acuarela en La Universidad de Glasgow, Óleo en Esfera d´Art (Barcelona). En 2005 asiste a un curso de Paisaje Urbano con Manuel Ruiz Ortega (Barcelona).En el año 2006 recibe el Premio Europa y la Beca del Ministerio de Cultura para la promoción de artistas españoles. En 2008 recibe el I Premio del X Concurso de Artes Plásticas y Fotografía de la Cámara Oficial de Comercio de España en Francia y el Colegio de España de París
Crítica a la pintura de Nuria Vallés
La pintura de Núria Vallés, tanto por el color como por las formas, es altamente positiva y merece apoyo para que pueda desarrollarse. Se advierte que ama lo que representa, no sólo por lo que son las realizaciones urbanas como expresión de una sociedad en marcha, sino por lo que significan de continuidad en el progreso de cada persona. Lo material la conduce a exaltar los bienes del espíritu y a presentarnos la alegría del vivir como una aspiración perfectamente accesible si se sabe gozar con la sencillez del día a día. Amaneceres y ocasos nunca se repiten del mismo modo y en medio de ellos se producen infinitas gamas de matices, a los que Núria Vallés se adhiere con alegre voluntad de caminar hacia un ideal colectivo.
Europa como comunidad de pueblos y de gentes de buena voluntad está muy presente en el ánimo de la pintora. Su intención artística aporta novedad de planteamientos positivos. No ignora las dificultades reales, pero todo es mejor -es decir, todo es mejorable- a partir de su obra. Parte de lo que ve, pero ofrece una hermosa manera de llegar a lo que desea.
Josep M. Cadena
Crítico de arte de "El Periódico"
LUCES URBANAS EN MADRID.
La colección consta de 12 óleos de formato grande. Los edificios más significativos son retratados con una peculiar distorsión de la perspectiva. Vallés juega con las leyes de la perspectiva para mostrar la libertad del artista y aquello que sólo su mirada ha descubierto. El color, combinando calientes y fríos, también es irreal y es otro As de su baraja. El resultado es una visión totalmente personal del paisaje urbano. Vallés es una catalana enamorada de Madrid y esta exposición lo demuestra
No hay farola que se resista a los lápices de Vallés y es que la pintora asegura haber visto farolas distintas en todas las plazas de la capital. Luz y color y además música es el espectáculo que vemos en "Ayuntamiento Sinfónico". El insigne edificio baila en el pentagrama con todas sus curvas y notas musicales. El ritmo, seguramente de un chotis, está marcado por rojos y verdes todo en un fondo de colores metálicos. Si, el Ayuntamiento baila mientras el bullir de la calle sigue su cotidiano ritmo. Sólo la mirada de artista de Vallés ha advertido el baile y ha encarnado su belleza.
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CHARO RODRIGUEZ HERNANDO, Madrid 1963
1995-1997 Cursa estudios en University College London de Conservación de Objetos Arqueológicos, consiguiendo la titulación de Bsc. 1st. Class Honours
1998-2001 Cursos de Pintura y Dibujo en Heatherly School of Art London
2003-2006 Cursos de Pintura y Dibujo en el Taller del Prado Madrid, con los pintores Guillermo Oyagüez y Francisco Molina Montero.
2006-2008 Cursos de Pintura en la Fundación Arauco con los pintores Juan Naranjo e Ismael Fuentes.
COMENTARIO A LA OBRA DE CHARO RODRÍGUEZ
"Charo, sugiere en su obra una nostalgia por el pasado, utilizando para ello colores y elementos que le hacen recordar esos momentos.
Las cajas guardan en su interior un futuro desconocido. La matizacion de los colores en unos casos y la viveza en otros le permiten interpretar esos momentos de la vida creando con ello una composicion de gran equilibrio.
El sosiego de su pintura no deja indiferente."
Monica Muñiz Vicente
Periodista
ALEJANDRA PELLICER HERNANDEZ Barcelona 1966.
1997-1998 Academia de pintura Sanchez-Almendros Barcelona.
2000 Clases de pintura con Luis Fernández Herrero Madrid.
2001-2002 Clases de cerámica Casa de la Cultura Madrid.
2003-2004 Escuela Taller del Prado. Con los profesores: Guillermo Oyagüez y Francisco Molina Montero. Madrid.
COMENTARIO A LA OBRA DE ALEJANDRA PELLICER
“Al contemplar la obra pictórica de Alejandra Pellicer, uno se percata de inmediato que no nos encontramos aquí ante una principiante precisamente, sino ante una pintora cuya técnica denota experiencia cromática y compositiva. Cabe resaltar igualmente su conseguida interrelación de los tres elementos, formas, colores y luces, que combinado con su riqueza de perspectivas redunda en ocasiones en auténtico placer estético”.
Alfonso Solé.
BBC Journalist. England.
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Alicia Alcover (Palma de Mallorca)
Presenta una colección de pinturas recientes, después de una larga trayectoria profesional relacionada con la estética, el color y las artes decorativas.
Comenzó su formación en el taller del pintor Ramón Nadal. Estudió a continuación Bellas Artes en Madrid.
A los 22 años comienza a trabajar en “El Clarín”, de Manu Elexpuru, al principio como publicista (Coca cola de España, Loewe, etc.) y más tarde en el Comité de dirección.
Después de unos años de intensa dedicación a la familia, cambia su rumbo profesional artístico, en directa colaboración con WILLY WAKONIGG (Gastón y Daniela); pronto llegó a formar parte del consejo de la sociedad.
Realizó proyectos con los que ganó concursos de restauración de grandes obras con tejidos originales del XVIII y XIX, de fabricación manual en Lyon desde el s. XVII.
Entre las restauraciones históricas realizadas, con réplicas de las telas originales, están: el Palacio Real (entre los años 80 y el 2000), los Reales Alcázares de Sevilla, la Cartuja de Sevilla, el Palacio del Pardo, el Palacio de Araranjuez, la Casita del Príncipe en El Escorial, el Palacio Real de la Granja, el Palacio de Linares, el Teatro principal de Burgos, el Palacio del Marqués de Dos Aguas, en Valencia, el Teatro Real de Madrid, el Teatro del Liceo en Barcelona, después del incendio, etc.
COMENTARIO A MI EXPOSICIÓN
“La vida profesional me ha enseñado a través del interiorismo y de las Artes decorativas, en su mas amplio sentido, que el eclecticismo, mezclado con un punto de sorpresa, consigue buenos resultados en mi desarrollo personal y en aquellos a quien me dirijo.
Durante muchas intervenciones profesionales en el ámbito de las telas, aportando mezclas muy diversas, con frecuencia echaba de menos la existencia de bonitos cuadros al óleo .
He tratado en estas obras de diversificar temas y colores que aporten originalidad; de forma que la pintura pueda ser un complemento importante en los más diversos ambientes.
En una reciente visita al museo de la colección Basilea, con una soberbia arquitectura atemporal, magnifico fondo para la impresionante colección de Arte Moderno que alberga, percibí tan intensa emoción al recorrer sus luminosas salas que he querido recordar todo ello aquí en tres de mis cuadros.”
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Galería EME 04 (13 de enero al 11 de febrero de 2009)
MARTA ARGÜELLES. Exposición de Pinturas
Marta Argüelles (Madrid, 1972)
Comienza su formación artística en Nueva York (National Academy of Arts) -2002/2005-. Desde2006 hasta la actualidad en El Taller del Prado (Madrid). Realiza un curso monográfico de paisaje con Jorge Pedraza (2006). Ha participado en las Exposiciones de Dibujo del Círculo de Bellas Artes (Madrid) en repetidas ocasiones.
Esta es su primera individual. Nos alegra tener la ocasión de mostrar la obra de este nuevo talento artístico
Marta Arguelles y su pintura (Jorge Pedraza, pintor)
"Me es muy grato presentar la exposición de Marta, conociéndola desde hace tiempo y sabedor de sus múltiples virtudes como pintora y como persona.
Como pintora debemos destacar su tesón y energía a la hora de trabajar y su gran capacidad para el dibujo y plasticidad y la elaboración de sus obras para conseguir un resultado de gran calidad y expresividad libre de condicionamientos y concesiones, convencida de que su pintura es fruto de lo que ella es y de lo que siente. Siempre podemos ver en sus cuadros a esa pintora sensible, preocupada por acertar en cada momento y acercándose a su ideal que no es otro que dedicarse plenamente a su profesión artística.
Como Gauguin asegura, el arte es abstracción, musical, intuitivo. El color y la forma que tan importantes eran en el maestro francés, también lo son en la pintura de Marta, que sigue investigando y apoyándose en la rotundidad de la forma y el color el fin y el objetivo a la hora de ver su obra terminada. La línea y el plano son protagonistas de una pintora que a veces parece acercarse a lo más primitivo y esencial.
Como nuestro citado Paul comenta: “El pintor de la naturaleza primitiva posee la simplicidad, el hieratismo sugestivo, la ingenuidad un poco desmañada y angulosa. Plasma a través de la simplificación, mediante la síntesis de las impresiones, que se subordinan a una idea general...”
En Marta son muy evidentes todos estos conceptos plásticos. Su amor por la pintura la proporciona la capacidad de transmitir y cautivar al espectador y con su maravillosa distribución de colores luces y sombras imprime su propia alma. Es la música del cuadro."
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Carmen Benavides (Madrid, 1973)
Licenciada en BBAA (Madrid 1992-97). Discípula de José Sánchez Carralero en tres cursos superiores de paisaje (Albarracín). Además ha realizado otros seminarios de pintura en Cuenca, León y Burgos.
Premiada en distintos Certámenes de Madrid, donde ha expuesto su cada año, ininterrumpidamente desde 2001.
Actualmente trabaja como docente en los Talleres-Estudio Solana (Madrid)
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Colectiva
Hortensia Núñez Ladevèze: escultura y acuarelas en pequeño formato
Mónica Ozámiz Fortis: Pintura
Inmaculada Cuesta: Pintura
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“Esta exposición para Galería EME 04 está dedicada fundamentalmente a la MÚSICA. Ocupa un lugar preferente el Jazz; entre otros he pensado en uno de sus grandes maestros, Miles Davis. También dedico un homenaje al cello, en la figura del virtuoso Rostropovich. Para todos los músicos, desde mi interpretación constructivista de la figuración, donde busco el sonido de la geometría en el color y la composición”.
Mónica Ozámiz Fortis.
Inicia su formación artística profesional con el Profesor D. José Luis Azparren (1973/75)
Se licencia en Bellas Artes, especialidad en Pintura po la Facultad de San Fernando, Madrid (1975/80)
Con experiencia docente como profesora de dibujo desde 1979.
Ha expuesto su obra en Madrid, Murcia, Ávila, Valladolid, Zamora. Premiada y seleccionada en 9 Certámenes Nacionales de Pintura. Entre sus múltiples trabajos artísticos, ha realizado esculturas, cerámica y móviles en barro, madera y metales; ha diseñado decorados para TVE y MAERS; también tiene trabajos de ilustración para las editoriales Giner y SCIO.
EN ESTA OCASIÓN EL ENCUENTRO ARTÍSTICO SE CELEBRA DURANTE LA INAUGURACIÓN CON MÚSICA EN DIRECTO, A CARGO DE LA CANTANTE
EVA REDONDO Y EL PIANISTA VÍCTOR GUTIÉRREZ.
El teclado es cortesía de Polimúsica, calle Caracas, nuestros buenos vecinos.
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Patricia López presenta su obra más reciente a partir del 29 de mayo y hasta 12 de junio en la Galería EME 04. Bajo el título genérico de Captura, se recoge el trabajo de los últimos tres años, fecha de su última exposición en Madrid.
Ningún artista desea ser clasificado. Sin embargo, la obra de Patricia López tiene una inspiración con nombre y apellido: Egon Schiele. Las obsesiones del pintor austriaco de comienzos del siglo XX salpican los cuadros de López en forma de figuras coloridas fuertemente silueteadas sobre un fondo negrísimo. Una suerte de focos de luz en medio de una oscuridad deliberadamente buscada. Herencia de las vanguardias de entreguerras.
La Galería EME 04, en el castizo barrio madrileño de Chamberí, se ha abierto un hueco en los últimos años gracias a una apuesta decisiva por el eclecticismo.
“Cercana a una nueva figuración que prefiere recuperar la figura como motivo pictórico, casi abstracto, antes que como acercamiento realista, la obra de Patricia López escarba en un origen mítico fácilmente reconocible para la historia de la pintura: la primera vanguardia de entreguerras, el expresionismo sacado de su contexto temporal para retomar una singular estética defensiva, posmoderna, de retaguardia. La pintura es tiempo materializado, captura pero, ¿un tiempo real? Un tiempo paródico, inexistente fuera del juego del puro presente, un tiempo de la pintura y no de las cronologías. Figuras recortadas en un gran contexto negro, una pincelada zigzagueante que los convierte en espacios deliberadamente anacrónicos, fuentes de color. La obra de alguien que ama la materialidad del cuadro”
Carlos Pardo
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REMBERTO MARTÍNEZ
“REGREOSO AL 58” Acrílicos sobre tabla
Galería EME 04 - 13 al 27 de mayo 2008
Remberto Martínez es un artista asiduo del circuito nacional de Pintura Rápida. Seleccionado y premiado en 70 ocasiones desde 1999. Mi encuentro con su obra fue en el Certamen de Pintura Rápida del Retiro 2007 y de aquella ocasión surgió ésta, su primera exposición individual.
El autor pinta los espacios de Madrid que guarda entre sus recuerdos de niño. "Regreso al 58" son las impresiones de su primer viaje a esta ciudad, acompañado de sus padres y hermana. Le quedó grabada la frase de su madre, que cada mañana de aquellos 15 días, miraba por la ventana y decía: "Aquí siempre está nublado"; es la razón por la que nos muestra un Madrid monocromático, un Madrid gris matizado de azul, verde, violeta, carmín...
Inmaculada Cuesta. Galería EME 04
REMBERTO MARTINEZ GUARDIOLA ME CONSTA COMO PINTOR DE VOCACION TARDIA. PERO FUE SIEMPRE UN OBSERVADOR QUE SUPO ALMACENAR EN SU RETINA, UN ALTO CRITERIO SELECTIVO DEL COLOR, EN EFECTO, SU ACIERTO PARA EQUILIBRAR GRANDES AREAS CROMATICAS SORPRENDE POR NO SER VACILANTE, AL CONTRARIO, ES DE UNA COMPTACTA PRECISION, VERIAMOS QUE LAS AREAS DE COLOR MANTIENEN UN EQUILIBRIO QUE PODRIA FIRMAR PIET MONDRIAN, (Tomas Martinez Blasco, arquitecto y mienbro der la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando)
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Perfil de Mariana COT
Aunque había mostrado interés y capacidad artística desde su infancia quedando ganadora de un premio escolar a nivel nacional no ha sido hasta los últimos tiempos que ha decidido dedicarse al ARTE, encontrando el equilibrio entre la formación y sus propios deseos creativos.
Podemos encontrar en sus obras multitud de técnicas que conviven en una perfecta armonia: acrílico, óleos, collage, polvos de marmol, bitartratos, generando un lenguaje personal que pretende reflejar sus pensamientos y sentimientos. Sus lienzos están ampliamente trabajados capa sobre capa para conseguir una superificie rugosa y densa que seduce al tacto y que caracteriza su pintura además de la utilización de numerosos colores.
En 2005 quedó finalista de los premios BMW de pintura y como la artista dice: “mi mejor premio es seguir estudiando, perfeccionando y aprendiendo para que el espectador disfrute contemplando un cuadro, sin esperar nada más ...”
Currículo artístico de MARIANA COT
Barcelona, España, 1964
Licenciada en Fiología Francesa (Universidad de Cluny en París)
Formación artística
2004 y 2006 Cursos monográficos en School of Arts (N.Y)
Desde 2005 en Estudio Soto Mesa (Madrid)
Premios:
Finalista en Premio de Pintura BMW, XX Edición
Exposiciones recientes:
2006 Casa de Vacas (Madrid). Colectiva
Feria de Arte Independiente (Madrid). Individual
Flamingo Road Gallery (Miami). Colectiva
Galerie Passage du rez (París). Colectiva
2007 Galeria Geraldes da Silva (Oporto). Colectiva
New Century Gallery (Nueva York). Colectiva
Centro Cultural de Barajas (Madrid). Colectiva
Flamingo Road Gallery (Miami). Colectiva
2008 Galería EME 04 (Madrid). Individual
Obra en Colecciones:
Seguros Santa Lucía (Madrid)
BMW (Madrid)
AIG (Nueva York)
BCN (Barcelona)
Privadas: Madrid, Barcelona, Sevilla, Palma de Mallorca, Miami, Nueva York, San Juan de Puerto Rico.
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Mi exposisición quiere ser un homenaje al gran poeta andaluz que fue pintor.
Quiere ser el homenaje de una andaluza pintora, que tiene algo de poeta.
La muestra se abre con los retratos de Juan Ramón y de Zenobia. Ella, su fuente de inspiración, su ayuda imprescindible, y mucho más, tenía que estar presente. Mi intención ha sido resaltar el contraste de las dos personalidades, y su unidad en serena armonía.
Desbordada por la variedad de la poesía de Juan Ramón, elegí, entre todos, uno solo de sus libros, el Diario de un poeta recién casado, y me dejé ganar por los poemas que más me han llegado al alma, tratando de expresarlos, con todo su colorido, de forma plástica, sin ideas preconcebidas.
La experiencia ha sido muy interesante: Juan Ramón me ha descubierto un nuevo modo de pintar. Cada cuadro ha sido un hallazgo maravilloso que me lleva a preguntarme con versos suyos
¿Cómo una voz de afuera
llega a ser nuestra voz
y hacer decir sus cosas
a nuestro corazón?
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